Pudovkin foi um dos cineastas que estabeleceu técnicas que são fundamentais dentro do mundo da edição e pautam a montagem cinematográfica até os dias de hoje.
Quando a gente fala técnica de montagem e edição, é impossível não citar como tudo isso começou e qual foi a influência dos estudos desenvolvidos no começo do século XX pelos intelectuais em cinema da União Soviética. Dentre eles, o nome de Pudovkin é um dos que cria destaque, já que ele ajudou a estabelecer regras e métodos que são utilizados até hoje dentro da edição cinematográfica.
Em seus estudos, Pudovkin afirmava que a função do editor era conduzir psicologicamente o público através dos quadros e da montagem, e para isso estabeleceu cinco princípios na montagem que valem ainda hoje. No post de hoje nós vamos falar um pouco sobre cada um deles e te dar exemplos de como eles estão presentes em grandes filmes que, com certeza, você já viu por aí!
Contraste
O contraste parte da ideia de que duas imagens diferentes, quando combinadas, forçam o público a estabelecer uma comparação entre elas.
Em O Poderoso Chefão – Parte – I (1972), a cena de um delicado batismo de uma criança é contrastada com a de uma série de assassinatos, o que leva o público à comparação entre essas duas cenas, e o que evidencia a violência e o sangue presentes nos assassinatos.
Paralelismo
Dentro do paralelismo, a ideia é que as cenas mostradas sejam complementares e que evoluam conforme o tempo passa ou o filme avança. O paralelismo guarda muita semelhança com o contraste, ainda que seu foco não seja o confronto entre as cenas que são montadas.
O exemplo disso é o filme O Silêncio dos Inocentes: a maneira que a cena em que Clarisse chega à casa de Jack é construída, de maneira paralela à invasão de uma casa por parte do FBI, dá a entender que finalmente os policiais encontraram o cativeiro onde está mantida a refém. As cenas crescem juntas até o desfecho, no qual é notado que a polícia invadiu a casa errada e que Clarisse está correndo perigo.
Simbolismo
O simbolismo está muito relacionado ao match cut, ideia que a gente já falou aqui.
A montagem que leva em consideração o simbolismo retrata em suas cenas ideias ou conceitos que se relacionam de maneira simbólica a fim de passar uma mensagem que as une e estabelecer uma relação de significado entre elas.
Um exemplo mais visível desse uso é o filme mudo A Greve, de 1925. No filme as cenas do operariado são intercaladas com as cenas de um abate de um boi, evidenciando o simbolismo da frieza e crueldade que tanto o gado quanto o povo são submetidos dentro da história.
Simultaneidade
A simultaneidade é o princípio de montagem mais emocional e que trabalha com mais de uma linha temporal ou narrativa da história. Ele trata de maneira simultânea um ou mais personagens, de maneira que elas possam se juntar num momento posterior ou de maior clímax.
Em Star Wars – O Império Contra-ataca, de 1980, a história retrata momentos diferentes em que Luke treina com mestre Yoda, enquanto Leia e Han Solo estão em batalha. A história é contada de maneira simultânea para ser unida no momento de clímax do filme.
Leitmotiv
Leitmotiv é uma expressão na música que indica a repetição de um trecho de uma música em determinada peça musical ou sinfonia. Isso ocorre em filmes como os da franquia Indiana Jones, com a música tema do filme, e a Marcha Imperial, em Star Wars.
A maior característica do leitmotiv é justamente a repetição e a reinserção de um mesmo elemento ou trecho dentro de uma mesma peça.
O leitmotiv também pode ser visual, com trechos repetidos acontecendo ou anunciando um mesmo evento dentro do filme, como ocorre em Batman VS Superman: A Origem da Justiça, de 2016, em que toda vez que o Batsinal é ligado, a presença de Batman é esperada já na cena.
Esses princípios, quando usados, pautam a montagem do filme, conduzindo o público através de uma narrativa psicológica que o insere na história e que constrói o filme de maneira a ser não só a mera junção de imagens, mas também a construção emotiva ao redor dele.
